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캘빈 클라인, 마이클 코어스 등 세계적인 패션 디자이너들이 졸업한 뉴욕 패션공과대학교(Fashion Institute of Technology·FIT)에서 Art Market Studies를 전공한 그는 기존 기능을 잃은 건축 공간이 예술·문화 공간으로 새롭게 활용되는 방식을 연구했다. 현재는 핸드메이드 주얼리 브랜드 141 Atelier의 아트디렉터로 활동하며, 최근 로어맨해튼 엘리자베스 스트리트에 문을 연 첫 상설 쇼룸과 작업실의 크리에이티브 디렉션을 맡았다.
-뉴욕에서 학업과 경력을 이어오게 된 과정과 아트디렉션에 관심을 갖게 된 계기는.
“고등학교 시절 뉴욕에서 패션을 공부하고 MD로 활동하는 분의 책을 읽으며 막연히 뉴욕 유학을 꿈꿨다. 이후 한국에서 경제학과에 진학했지만 진로를 고민한 끝에 2017년 FIT의 Fashion Business Management에 진학했다. 뉴욕에서 가장 흥미로웠던 것은 리테일 문화였다. 매장은 단순히 물건을 사는 곳이 아니라 브랜드의 철학과 정체성을 경험하는 공간이라고 느꼈다. 졸업 후 노호의 패션 부티크에서 매니저로 근무하며 예술가들의 작품을 소개하고 창작자들과 교류했고, 작품의 배경과 가치를 고객에게 전달하는 역할의 중요성을 배웠다. 이는 FIT Art Market Studies 석사과정 진학으로 이어졌다. 이런 경험을 통해 브랜드의 정체성을 공간과 경험으로 구현하는 아트디렉션에 관심을 갖게 됐다.”
-FIT에서의 연구가 현재 작업에 어떤 영향을 미쳤나.
“석사과정에서는 미술 시장의 구조와 갤러리·문화기관 운영을 공부했고, 특히 기능을 잃은 건축물이 예술과 문화를 통해 새로운 역할을 얻는 ‘문화적 적응형 재사용’을 연구했다. 논문에서는 문화역서울284를 중심으로 오르세 미술관, 테이트 모던, MoMA PS1 등을 비교 분석하고, 공간의 역사성과 특성을 존중하면서 예술 콘텐츠와 운영 전략을 연결하는 컨설팅 모델 ‘Re’를 구상했다. 이 관점은 현재 141 Atelier 쇼룸에도 이어져 기존 건물의 벽돌과 구조적 특성을 살리면서 브랜드의 수공예적 미감과 조화를 이루도록 했다.”
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“브랜드의 정체성과 가치를 이해하고 이를 사람들이 경험할 수 있는 형태로 구현하는 사람이라고 생각한다. 아트디렉션은 시각적으로 아름다운 결과물을 만드는 데 그치지 않는다. 인테리어와 제품 배치뿐 아니라 음악과 향, 직원과의 대화까지 고객이 접하는 모든 요소를 고려해야 한다. 개인의 취향보다 브랜드가 쌓아온 이야기와 철학을 이해하고, 여러 요소가 하나의 방향으로 전달되도록 조율하는 것이 중요하다.”
-141 Atelier에서 맡고 있는 역할과 첫 상설 쇼룸 프로젝트를 소개한다면.
“141 Atelier에서 시각적 방향과 공간 기획, 브랜딩, 고객 경험 전반을 관리하고 있다. 2014년 윌리엄스버그 플리마켓에서 시작한 브랜드는 첼시마켓 등으로 활동 영역을 넓혀왔고, 올해 6월 로어맨해튼 엘리자베스 스트리트에 첫 상설 쇼룸과 작업실을 열었다. 이번 프로젝트에서는 브랜드 창립자이자 메인 디자이너 Ley Lee의 한국적 배경과 미감을 직접적인 전통 문양 대신 나무와 돌의 질감, 절제된 색감과 여백으로 표현하고자 했다. 전면에는 주얼리와 공예 오브제를 선보이는 쇼룸을, 후면에는 제작과 수선이 이루어지는 작업실을 두고 얇은 천으로 구분해 제작 과정을 간접적으로 볼 수 있도록 했다.”
-브랜드의 정체성을 공간에 풀어낼 때 가장 중요하게 생각한 부분은.
“141 Atelier는 ‘한 사람을 위한 하나의 주얼리’를 만든다는 철학을 바탕으로 수공예와 커스터마이징을 중요하게 생각한다. 플리마켓에서는 제한된 공간과 짧은 고객 접점 안에서 이를 설명해야 했지만, 독립 쇼룸에서는 제작 과정과 브랜드 이야기를 보다 입체적으로 전달할 수 있었다. 고객이 무엇을 만드는지를 넘어 왜, 누가, 어떻게 만드는지까지 이해할 수 있는 환경을 만드는 것이 핵심이었다.”
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“오랫동안 이 지역에 거주한 주민들의 반응이 가장 기억에 남는다. 팬데믹 이후 오래 비어 있던 공간에 매장이 들어서자, 어린 시절 이곳이 보데가였다는 추억을 들려주거나 다시 사람들이 드나드는 모습을 반가워하는 분들이 있었다. 방문객들이 쇼룸을 주변 카페나 식당, 상점과 함께 소셜미디어에 소개하는 모습도 흥미로웠다. 대학원에서는 이미 변화가 이루어진 공간을 연구했다면, 지금은 사람들이 그 변화를 어떻게 받아들이는지 직접 보고 있다. 공간의 정체성은 문을 여는 순간 완성되는 것이 아니라 사람들과 관계를 맺으며 계속 발전한다는 점을 느꼈다.”
-앞으로 어떤 프로젝트에 도전하고 싶은가.
“단기적으로는 141 Atelier를 통해 미국에서 활동하는 한국계 공예가와 한국 문화에서 영감을 얻는 창작자들과의 협업을 확대하고 싶다. 작품을 전시·판매하는 데 그치지 않고 제작 과정과 작가의 철학을 고객에게 전달해 창작자에게는 안정적인 판매 기회를, 고객에게는 작품을 깊이 이해하고 소장하는 경험을 제공하고 싶다. 장기적으로는 패션과 예술, 공예, 공간의 경계를 유연하게 연결하고, 뉴욕에서 나만의 갤러리이자 다양한 문화적 실험이 가능한 공간을 운영하는 것이 목표다. 기존 건축물의 역사와 기억을 살리면서 제작과 전시, 판매와 대화가 자연스럽게 이어지는 공간을 만들고 싶다. 사람들이 일상에서 예술을 발견하고 관계를 맺는 경험이 창작자의 지속적인 활동과 지역사회의 새로운 활력으로 이어지길 바란다.”
